martes, 30 de octubre de 2007

O, BROTHER! WHERE ART THOU?

Desde este, nuestro blog, hacemos un desesperado llamamiento a quien nos pueda ayudar a encontrar a estas dos criaturitas. Hace meses que no sabemos de ellos.....Al tipejillo de la izquierda lo vimos fugazmente en el Concierto de Héroes del Silencio...Al oscuro sujeto de la derecha hace aún más que le perdimos la pista...El último supuesto contacto con ellos (podrían ser crueles impostores), tuvo lugar vía telefónica el pasado viernes día 26 de octubre. Dicho día, teníamos el oscuro y maquiavélico propósito de tomar unas cervezas con ellos, pero no aparecieron....La situación es crítica. ¿Habrán sido definitivamente secuestrados por un escuadrón popero con cuyas huestes uno de los dos desaparecidos mantiene contacto? ¿Habrán pasado sin remisión a formar parte del Cementerio de Rockeros Perdidos? ¿Qué coño pasa? Sabemos que sus repetidas ausencias son totalmente en contra de su voluntad. Ayudadnos a encontrarlos!!!!!




jueves, 18 de octubre de 2007

"WE CAN BE HEROES, JUST FOR ONE DAY"


Tras haberme recuperado de la conmoción, me propongo hacer una breve reseña del acontecimiento rockero del siglo es esta Sevilla nuestra: El concierto de Héroes del Silencio del 20 de octubre pasado.

Aunque al principio cueste creerlo, nuestro ayuntamiento, siempre preocupado por mantener contentos a los fans de “Siempre Igual” (o Así, o como coño se llamen), y a los del Mani y la Pantoja, se salió por la tangente e hizo posible que el grupo maño aterrizara en el inútil Estadio Olímpico (ya sólo por esto merece la pena su construcción) y lográsemos disfrutar de la controvertida gira de reunión de los de Bunbury y Valdivia.

Y allí estábamos. Todos éramos 10 jodidos años más viejos desde su separación, pero allí estábamos. Tras el botellón (botellín, mejor dicho, por lo cervecero del caso) de rigor en los exteriores del campo, tras ver como los reventas se veían absolutamente jodidos al poner la organización unas entradas en reserva a última hora en taquilla (que se jodan muchísimo los reventas), nos dispusimos a adentrarnos a eso de las 20.40 (tarde, como siempre, como no puede ser menos en el grupo de gentuza más desorganizado que conozco: mis amigos), sólo 20 minutos antes del comienzo, en lo que, al principio, se me antojaba el Apocalipsis: 70.000 criaturitas vestidas de negro (no todas, alguna pijilla había también), esperando enfervorizadas que los de Zaragoza desatasen el caos en aquella alejada zona de la Isla de la Cartuja.

No se hicieron esperar: con puntualidad cuasi británica (no olvidemos que somos hijos de Cervantes), a eso de las 21.05, dio comienzo aquello que todos habíamos ido a buscar: un pequeño islote de rock en el inmenso océano de zafiedad que nos está ahogando día tras día. Y no defraudaron: Tras la maravillosa introducción instrumental “Song To the Siren”, desataron el infierno con la brutal “El Estanque”. No lo podíamos creer: allí estaban, 10 años después, tocando y cantando como nunca. Un Bunbury enfundado en cuero cual Bono en sus mejores tiempos, enlazaba clásico tras clásico, en un escenario que recordaba muchísimo al mítico de U2 en Zoo Tv, con múltiples pantallas de video, efectos de luz, llamaradas de fuego y cañonazos de serpentinas.

El espectáculo se trasladó durante varias canciones a un pequeño segundo escenario que se adentraba mediante una lengua entre el público, donde desgranaron el sector más tranquilo del repertorio, sorprendiendo con algunas selecciones, como la deliciosa “Apuesta por el Rock And Roll”. Al sonar los primeros acordes de “Entre Dos Tierras” se desató la locura, que retomamos con “Avalancha” o “Iberia Sumergida”. “Con Nombre de Guerra” o “Héroe de Leyenda” sonaron como nunca, con un sonido totalmente acorde a nuestra época, completamente remozadas. “Mar adentro” nos recordó a todos más de un momento de nuestras vidas, y entre todos ayudamos a “Deshacer El Mundo”.

Uno de los momentos más especiales de la noche fue cuando, tras una de las despedidas en falso del grupo, en uno de los bises, el señor Bunbury pidió a los asistentes que iluminaran el recinto con lo que tuvieran a mano: mecheros, móviles, cámaras….y así, en un inmenso mar de luces, sostenidas por 70.000 personas, en una imagen que no podré quitar nunca de mi memoria, comenzaron a sonar las primeras notas de “La Chispa Adecuada”. Impresionante.

Casi al final, subió al escenario, para gran sorpresa de melómanos (y de otros muchos que no sabían quién coño era) el mítico Phil Manzanera, ex Roxy Music, y reputado productor de, entre otros, David Gilmour de los Floyd y, como no, de Héroes del Silencio, para acompañarles a la guitarra….

Todo terminó como empezó: puntualmente, a las 2 horas y media de concierto, con unos atronadores fuegos artificiales lanzados desde el exterior del Estadio. Cuando se disipó el eco del último cohete, 70.000 almas se quedaron con una absoluta cara de gilipollas, tras haber presenciado uno de los acontecimientos musicales de nuestras vidas. Nos quedamos vacíos, con una absoluta certeza: Nunca más. No los veríamos nunca más. Era una verdadera despedida. Pero vaya despedida, caballeros.

Sirva todo esto para recordar a los que estuvieron, sobre todo a mi hermano Juan, que descubrió hace poco a los Héroes y tuvo la jodida suerte de verlos, y a todos los que no pudieron estar, en especial a dos personitas que no me quité de la cabeza en todo el concierto…las dos personitas más importantes de mi vida…mis dos niñas: Eli y Lolita. Os quiero, wish you were there.

Bueno, chavales. Cosas como estas le hacen a uno dar gracias a los dioses porque exista esta cosita tan grande que es el Rock and Roll, al que tantos amamos…y que se joda quien no sepa apreciarlo. Que grandes eran los Héroes del Silencio, que grandes son y serán. Saludos a todos.

(Para todos los que no estuvisteis, por aqui quedan unos detallitos sonoros recogidos en su concierto de Zaragoza el 12 de Octubre, enjoy!!!)






"LA LÍNEA DE LA VIDA": VUELVE EL TÍO BEN

Bien, aunque parecía que nunca iba a volver de vacaciones, lo cierto es que lo hice ya hace mucho (demasiado!), pero la pereza me invadió y hasta ahora no me he dignado a regresar a nuestro amado blog con nuevas reseñas musicales.

Uno de los lanzamientos más destacados de este fin de verano es el nuevo album de Mr. Ben Harper.

El genial músico californiano regresa con un espléndido trabajo, titulado “Lifeline” , acompañado de sus inseparables Innocent Criminals como habitual banda de acompañamiento.

Esta nueva entrega del tío Ben esta cargada de matices que lo hacen muy especial: grabado en París en tiempo record, tras regresar de una agotadora gira europea para aprovechar el estado de forma que da el directo, y siendo todo recogido con el sistema de grabación de antaño, el mítico analógico, sin Pro Tools, sin samples, sin trucos….todo directo a la cinta, como se crearon los grandes clásicos de hace décadas.

El resultado: soberbio. Un disco plagado de buen soul, blues rock clásico y funky desatado. Todo esto desemboca en un trabajo reposado, sensible, con emoción, ideal para escuchar bien relajado en casa, con las luces bajas y muy bien acompañado. Es un disco que te toca en lo más profundo, te estremece las tripas, y de una belleza singular. Respaldado por dos magníficos singles como la sincera “Fight Outta You” y la optimista “In The Colors”, este nuevo trabajo de Ben Harper es una más que recomendable opción para iniciar este otoño que se adentra poco a poco.

Si tienes suerte, aun puedes encontrar la estupenda edición limitada, la cual, además del cd, incluye un DVD con todos los temas tocados en directo, y un completo album fotográfico de la grabación. Mientras tanto, puedes disfrutarlo aquí.





viernes, 31 de agosto de 2007

La travesía por el desierto; con ROCK es menos…

¿Qué motivación lleva a una persona a adoptar como sobrenombre el término con el que designa la barra oblicua, hoy imprescindible para cualquier dirección de Internet que se precie? Posiblemente Slash estuviese pensando más bien en rajar o acuchillar (la otra acepción de la traducción literal del término anglófono al castellano) cuando decidió ocultar su verdadero nombre, Samuel Hudson, y su nacionalidad inglesa, que cambió finalmente por la estadounidense. En cualquier caso e independientemente de sus orígenes geográficos el mundillo de la música nunca le fue ajeno ya que su padre, Anthony Hudson, diseñaba portadas de álbumes (Neil Young o Joni Mitchell se cuentan entre sus clientes ocasionales…) y su madre, Ola Hudson, era diseñadora de ropa, de manera que el joven Slash llegase a conocer al mismísimo David Bowie a finales de los '70; ella había diseñado el equipo que llevaba Bowie en “The Man Who Fell To Herat”.


Fue por aquel entonces cuando en 1977, la familia se muda a Los Angeles, de la soleada California. Poco después sus padres se separaron y él se fue a vivir con su abuela. Fue a la edad de 15 años cuando recibió de ella su primera guitarra acústica, con la que aprendió a tocar de forma autodidacta a base de dedicar hasta 12 horas diarias al empeño (imaginamos sin margen de error en que gastaría las otras 12…), lo que afectó mucho en su rendimiento escolar como ya destacamos en el primer post de la VELVET REVOLVER. Fue ya en aquellos días cuando conoció a su inseparable amigoSteven Adler al caer éste de su patinete, comenzando con ello la primera mitad de la mítica formación de los “Gansan”. La otra mitad viene de la amistad de infancia en Indiana de Axl Rose e Izzy Stradlin y su posterior reencuentro en L.A.
De hecho Slash yAxl Rose se conocieron concretamente en 1984 estando ambos ya inmersos en el ambiente de bandas y clubes de L.A. por la que era agente de ambos, Vicky Hamilton. Varios meses después, Slash audicionó para tocar en una banda con Rose e Izzy, pero no fue elegido… a favor de un tal Tracii Guns. Luego de que Guns no pudiera hacer un concierto en Seattle, Slash y Steven Adler fueron llamados al Olimpo de los dioses del metal por Rose, Stradlin y Duff McKagan para formar Guns N' Roses.


Pero eso será rememorado en otro post. Para lo que nos interesa ahora hay que dar un triste salto en el tiempo y situarnos a finales de 1992, cuando comienza la mastodóntica gira de promoción de los discos del “Use Your Illusion” que duró 28 meses. Los GN’R son quizás la banda más aclamada del momento con apenas cuatro discos en el mercado (tres si consideramos el “Use Your Illusion” como un disco doble, aunque se vendiesen por separado) pero los problemas en el seno de la banda empiezan a ser insalvables, y el primero en certificarlo fue Izzy Stradlin (Steve Alder fue sustituido ya por Matt Sorum, pero podemos calificar este remplazo de técnico, dado el estado al que el abuso de las drogas tenía reducido al bueno de Steve…) que nada tuvo que ver ya con el siguiente disco de los “Gansan”, “The Spaghetti Incident?”. Paralelamente a la grabación de este mediocre disco de versiones Slash va dejando recogidas varias ideas para futuras canciones de los GN’R que Axl rechazará y que serán el germen del primer disco que nos ocupa.
Slash y Sorum empezaron ensayando en el estudio de la casa de Slash, conocido como "The Snakepit" (El hoyo de la serpiente) debido al cariño que siente el guitarrista hacia las serpientes, ya que el estudio estaba próximo al terrario de sus mascotas, con mira en trabajar en material nuevo para el siguiente disco de los Gansan. Pronto, Gilby Clarke (guitarrista rítmico de Guns sustituto de Izzy en aquella época) los estaba acompañando y contribuyendo con ideas. De esta guisa grabaron varias maquetas con Slash doblando algunas partes del bajo aunque en algunos casos el entonces bajista de Guns n' Roses Duff McKagan se unía a las grabaciones y también contribuía con ideas; de hecho tiene los créditos de haber co-escrito "Beggars & Hangers-On". En la práctica participaron en mayor o menos medida todos los integrantes de los “Gansan”, a excepción de un cada vez más insoportable y tiránico Axl enfrascado en sus propias elucubraciones mentales.
Hasta ese punto, Slash siempre se había mostrado contrario a publicar un álbum en solitario, diciendo que no necesitaba uno mientras que Guns estuviera en acción. Promoviendo el álbum, se mantuvo pragmático al declarar que no era en "realidad" un álbum como solista, solo otra banda para mantenerse ocupado mientras Guns n' Roses estaba interrumpido dadas la crecientes broncas y discrepancias con Axl sobre como enfocar la dirección musical de la banda. También dijo que él quería que el proyecto se llamara simplemente "Snakepit", pero que la discográfica insistió que se le adicionara su nombre para ayudar a incrementar las ventas. Por lo tanto la cosa tomo forma como "Slash's Snakepit".



Conforme la idea de grabar el disco fue cogiendo fuerza fue necesario montar la banda alternativa: Slash recluto al bajista de Alice in Chains, Mike Inez, para completar la parte musical del grupo ya que Duff no participó más allá de algunas aportaciones iniciales. Un baterista ex compañero de Gilby Clarke, Mark Danziesen, sugirió a Eric Dover como vocalista quién después de pasar una audición se unió a el quinteto. Fue así como completada la grabación (colaboraciones de músicos ya habituales en los discos de los Gasan también incluidas, como eran Teddy Andreadis y Dizzy Reed quienes tocaron la harmónica y el teclado respectivamente), con el titulo sacado de un comentario de una azafata, It's Five O'Clock Somewhere (son las cinco en punto en algún lugar) e ilustraciones proporcionadas por el hermano de Slash, Ash Hudson, el álbum fue lanzado en Marzo de 1995 casi como un certificado del propio ocaso de Guns n' Roses.
Frustrado con la inactividad y los movimientos erráticos de Axl, no sin mencionar la presión de Geffen para promover el álbum, se organizó un tour de seis meses. Clarke (ya expulsado de los “Gansan” en este punto), Slash y Dover fueron los únicos miembros que grabaron el disco y que emprendieron el tour, con Inez comprometido a Alice in Chains, y Sorum aceptando quedarse como compromiso para aplacar al furioso Axl quien vio en el proyecto alternativo una afrenta personal por parte de Slash. James Lomenzo y Brian Tichy los remplazaron para el tour.
Después de acabada la gira, el grupo se separo, ya que era (después de todo) solo un proyecto alterno de todos los involucrados. Slash volvió a seguir peleándose con Rose y Clarke fue a grabar más álbumes como solista. En cualquier caso las divergencias entre Slash y Rose sobre el que debería ser el rumbo de GN’R estaban más en carne viva que nunca después de la “aventura” alternativa de Slash. Mientras éste seguia fiel al rock único y verdadero que había mamado desde chiquitito (como demuestra el “it’s five o’clock…”), Axl pretendía perderse en desvaríos tecno/industriales en los que todavía no se ha encontrado ni a si mismo (a fe de la extensa rumorología que rodea el imposible relanzamiento de los GN’R secuestrado bajo el sospechoso nombre de “Chinese Democracy”). El último intento por congraciarse no deja de resultar gracioso. Alguien pensó que sería buena idea que hubiese dos gallos en el mismo gallinero y Zakk Wylde (ex guitarrista de Ozzy Ousborne, menudo pájaro éste) fue invitado a unirse a la banda en suerte de “arbitro” entre las disputas artísticas de Axl y Slash. Pero pronto ambos coincidieron en que no había lugar en una banda para dos guitarras líderes. Obvio.
En definitiva, Slash se retira oficialmente o Axl Rose lo expulsa (no se sabe) de GN'R, concretamente el 30 de Octubre de 1996, no sin antes declararse incapaz de trabajar con Rose e incluso cediéndole los derechos sobre el propio nombre del grupo que quedaron desde en poder del desde entonces infame Axl Rose.

Sin embargo en vez de quedarse en casa con la cabeza entre las manos tras el tremendo desengaño sufrido se refugió como solo un rockero sabe hacerlo… montando una banda de versiones de Blues, a la que muy originalmente denominó ”Blues Ball” y con la recorrió todo el circuito de clubs de California hasta el final de 1997, que es más o menos lo que debe durar el duelo de un buen rockero por una perdida irremplazable como la del ocaso de los lloradísimos “Gansan”.



Terminado este proyecto Slash comienza una serie de colaboraciones, la mayoría de gran valor y las menos erráticas como poco, pero eclécticas como pocas; en el elenco entranBob Dylan, Michael Jackson, Iggy Pop, Alice Cooper, Lenny Kravitz (amigo de su infancia), Franco Rose, Steven Tyler, Joe Perry, Rocka (antiguo cantante de Pantera antes del accidente y ser sustituido por Philip Anselmo), Brian May y muchos más. También realizó canciones junto a artistas hispanos como ya lamentásemos en el primer port de la Velvet… la exuberante cantante de pop español Marta Sánchez “consiguió” la colaboración del guitarrista para un tema de su disco “Azabache” amén de participar de nuevo juntos en la canción “Obsession” para la B.S.O. de “Courled” (de 1996, estrenada en España como “Tú asesina que nosotras limpiamos la sangre”, con guión de Tarantino). No contento con esta afrenta al Panteón del Metal ha tocado también con Paulina Rubio y Elan. Intentaremos ver en todo ello un simple afán por tocar y demostrar su amplitud de miras artísticas (soñar no cuesta dinero...)


Sin embargo en el año 2000 se abrió un paréntesis en estas colaboraciones y se dieron más grabaciones y conciertos en vivo de unos remozados Snakepit (excepto por Slash, obviamente). La banda sacó "Ain't Life Grand" en Octubre de 2000, que además de Slash en la guitarra líder, ofrecía aRod Jackson como vocalista, Johnny Griparic en el bajo, Matt Laug en la batería y Ryan Roxie en la guitarra (sustituido por Keri Kelli para las actuaciones en vivo). Después del preceptivo tour para promocionar el álbum, Slash volvió a disolver Snakepit y siguió con sus esporádicas colaboraciones.
Aunque Slash anunció recientemente que no volverá a reformar Snakepit, a menos que el grupo en el que esta tocando actualmente, Velver Revolver, se disuelva, y pese a que cierto “tufillo” a necesidad económica pueda perseguir a estos discos (fundamentalmente el segundo…) lo cierto es que se tratan de sinceros discos de puro Rock, bastante equilibrados (es decir, muy lejos de las habituales muestras de virtuosismo en las que suelen caer los discos en solitarios de los guitarristas líderes al uso) y amenos en su escucha. Pueden no ser imprescindibles pero sí muy recomendables y sobretodo muy reconfortantes. Life’s a sweet drug!!

Slash’sSnakePit – It’s five o’clock some where

http://www.badongo.com/es/file/3940778


Slash’sSnakePit – Ain’t life grand

martes, 28 de agosto de 2007

¿El último supergrupo?


Tal y como anticipamos VELVET REVOLVER siguen juntos y parece que bien avenidos pese a todos los maliciosos rumores que suelen acompañar a todo supergrupo que se precie. Entendemos como supergrupo a la reunión de varios dioses del metal con carreras consolidadas con anterioridad, ya fuese en solitario o en míticas y desaparecidas formaciones, unidos en extrañas o sorprendentes formaciones que normalmente no llegan a ver más de un disco publicado, independientemente de la calidad de estos experimentos. La cruel industria discográfica no entiende ni de calidad ni de barcos, y así les va con la piratería, por ejemplo.

En fin, nuevo disco de estos “ya no tan” chavales aficionados a poner música a las adaptaciones de MARVEL en el celuloide y a incomodar al alma perdida del jodido Axl Rose. ¡Brindemos por ellos y su continuidad!
Ciertamente orientado al gusto comercial de los Estates (USA, entendámonos) el disco se deja escuchar con coherencia y ricamente jalonado de varios temazos marca de la casa (los güenos aficionados a los “Gasan” sabrán apreciar de lo que hablo).

¡A disfrutar, chavales!

Velvet Revolver – LIBERTAD

http://www.badongo.com/es/file/3860841

lunes, 30 de julio de 2007

¡ESTÁ PERDIDO! SALVEMOS SU ALMA!!


No puede ser!! Las malas lenguas informan de que se ha visto a este antaño buen roquero silbando una infame melodia de la Obesa de Van Gogh!!!! Su alma esta podrida, ahogada y asfixiada por los duendes poperos......Salvemos su alma...salvemos su corazoncito rockero...escuchemos 100 veces seguidas Inmigrant Song hasta traerlo de nuevo a la luz!!!!

miércoles, 25 de julio de 2007

AMORICA O MUERTE- El Vuelo de los Cuervos Negros

Hoy vamos a hacer un recordatorio-homenaje (esperemos que no póstumo) a la considerada como "banda de rock and roll más rockera del mundo":
The Black Crowes.

La banda fue fundada en 1986, con el nombre de Mr. Crowe's Garden por las dos criaturitas de la izquierda, los hermanos Rich y Chris Robinson (izquierda y derecha, respectivamente), unos auténticos frikis de cuidado, descendientes de unos progenitores aún más frikis, la banda, totalmente empapada de sus extensas influencias, que van desde el soul más brutal hasta el blues rock más clásico de los Zeppelin, Stones, Free, Bad Company, Allman Brothers o sus adorados Faces, comienza a recorrer los tugurios de su Atlanta natal y alrededores, hasta que, al fin, en 1990, y ya bajo el definitivo nombre de The Black Crowes, publican el mítico album de debut "Shake Your Money Maker".

El album sorprendió tanto a crítica como a público, tanto por su extraordinaria calidad musical, tan inusual en una banda de aquellos días, heredera de los infames '80, como por la extraña madurez de sus composiciones, paridas por unos tipos de apenas 20 años. Aunque encabezado como single por la excelente "Jealous Again", el auténtico bombazo del disco fue la revisión de los Crowes del clásico de Otis Redding "Hard to Handle", la cual rescataron del baul de los recuerdos y ensalzaron a la manera rockera tal y como merecía el tema. Guitarras bluseras, voces desgarradas, un órgano Hammond atronador (a cargo del experimentado Chuck Leavell, colaborador habitual de los Stones), y unas declaradas influencias setenteras y actitudes contestatarias... Los hermanos Robinson se enfrentaban, tras el éxito de su debut, a un enorme reto: Superarlo.

Dicho y hecho. Apenas dos años después, en 1992, publican su segundo LP : "The Southern Harmony and Musical Companion". Ya no hay dudas: estos tipos tienen mucho que ofrecer, y no van a escatimar recursos para demostrar que son la mejor band de rock and roll de los '90. Éste disco es la prueba: con una actitud orgullosa, cuasi-egocéntrica, el vocalista Chris Robinson nos guía en un extraño tour por la mitología sureña, con auténticos trallazos como "Sting Me", "Remedy", "Hotel Illness" o "My Morning Song", acompañados de delicadas baladas y medios tiempos, como "Thorn In My Pride" ,"Sometimes Salvation " o "Bad Luck Blue Eyes Goodbye", que denotan una sensibilidad que sólo se podía encontrar en discos de bandas de hace mucho, mucho tiempo... El éxito no se hizo esperar, y el grupo quedó ensalzado en lo más alto, pero hasta aquí no se llegó sin que hubiera víctimas: durante la grabación del album, Chuck Leavell fue reemplazado a los teclados por el ya fijo Ed Harsch, y Jeff Cease fue expulsado terminantemente del grupo, por no estar a la altura de los demás componentes, y fue sustituido por el guitarra solista Marc Ford, una de las señas de identidad de los Crowes, que quedaban entonces compuestos por:

-Chris Robinson: Voz
-Rich Robinson: Guitarras
-Marc Ford: Guitarras
-Johnny Colt: Bajo
-Steve Gorman: Batería
-Ed Harsch: Teclados

El album quedaba rematado por una soberbia version del tema de Bob Marley "Time Will Tell", y la suerte estaba echada: otro asalto, otra victoria...y a la espera del siguiente.

Y aquí llegaron a la cima: "Amorica" se publica en 1994, producido por Jack Joseph Puig. La revolución es total, y los Crowes vuelven a alzar el vuelo, sin dejar atras sus raices blues-rock, pero sazonando la mezcla con una buena dosis de psicodelia, apología de las drogas y buen rollito: un sentimiento "Hippy-Hippy Shake", se podría decir. Desde los primeros acordes de "Gone", sabemos que este disco es especial. Están totalmente compenetrados, saben lo que se traen entre manos, y que a la tercera va la vencida. Una atmósfera especial impregna todo el LP, desde la brutal "A Conspiracy" hasta las torturada baladas "Cursed Diamond" o "Descending", pasando por la psicodelia más inspirada de "P-25 London" , "She Gave Good Sunflower" o "High Head Blues"; además, con "Wiser Time", se atreven con su propia "canción de carretera" (road-song), tan habitual en sus amados '70 .

El disco no tiene desperdicio, cada pieza es fundamental, incluso la portada, donde saben muy bien lo que quieren: provocar.

Dicha portada recoge en primer plano el "Monte de Venus" de una chica mulata adornado con un minúsculo tanga decorado con la bandera de los USA, por encima del cual sobresalen unos indiscretos vellos púbicos.... Censurada en medio mundo, la portada consiguió lo que pretendía: una publicidad sin precedentes para un grupo, hasta entonces, para minorías.

Pero no todo era un lecho de rosas para los Cuervos. Las constantes peleas entre los hermanos Robinson eran un problema que, si bien era la semilla de su extensa creatividad, a la vez creaba una peligrosa sensación de inestabilidad que afectaba seriamente al resto de la banda. Todo esto, mezclado con unos cada vez más graves problemas con las drogas, hacía tambalearse los cimientos del grupo justo cuando más fuerza necesitaban: estaban en lo más alto, y no se podían permitir el lujo de caer.

Por otra parte, los constantes ataques por parte de ciertos sectores de la crítica tampoco ayudaban mucho. Se les tachaba de estar faltos de originalidad, de ser unos meros "revivalistas" de los ´70, cuando no de ser unos plagiadores de los Stones.

Todo este caldo de cultivo dio lugar al primer bache de su carrera....

En 1996, llegó "Three Snakes and One Charm", y con él, los problemas. Según han reconocido ellos mismos con los años, se trata de un buen disco en el fondo, pero tristemente, transmite una sensación de estar "inacabado". No consiguieron sacar todo el jugo que prometían las canciones, que después sí han conseguido destilar en directo. Dan la sensación de no haber digerido demasiado bien el éxito de Amorica, y no tener muy claro hacia dónde ir. Estaban en la cresta de la ola, a 300 por hora, pero sin brújula. Y eso se nota en todo el album.

Aunque con buenos momentos como "Good Friday", "BlackBerry" o la imponente "Girl From A Pawnshop", las canciones están "sueltas", no dan la sensación de un todo compacto, y todo ello no es más que un síntoma de los problemas internos que tenía la banda, los cuales desembocaron en la expulsión de Marc Ford por abuso excesivo de las drogas en 1997, y el abandono de Johnny Colt en 1998.

Con Sven Pipien al bajo, sustituyendo a Johnny Colt, y con Rich Robinson tocando todas las guitarras para solventar la marcha de Marc Ford, llegan a 1999, lo que nos trae un cambio de discográfica, pasandose a Columbia, y un nuevo album, "By Your Side".

Se trata este de un disco mucho más esperanzador que el anterior, mucho menos oscuro y descabezado, como queda recogido en la magnífica "Welcome To The Goodtimes". Los problemas con las drogas empiezan a desaparecer, los hermanos Robinson hacen un esfuerzo titánico por llevarse bien (no siempre con éxito), y el grupo vuelve a sonar compacto. No es que sea el mejor disco de su carrera, pero si constituía un atisbo de esperanza para sus fans, los cuales creyeron ver el fin de la banda tras el "Three Snakes" y el abandono de dos de sus miembros. Se vuelven a ver reflejos de los Stones en "Kickin' My Heart Around" o "By Your Side", auténticas joyas de rock sureño en "Only a Fool", detalles de psicodelia en "Horse Head", "Go Tell The Congregation" o "Heavy", deliciosas concesiones al pop como "Diamond Ring", "Then She Said My Name" o "Welcome To The Good Times", hasta llegar al auténtico diamante en bruto del disco: "Virtue And Vice", en cuya letra se hace más de una confesión autobiográfica de los duros momentos por los que han atravesado.

Este clima de aparente buen rollito llevó a uno de los grandes momentos para los fans de los Crowes y Led Zeppelin. La mini gira y disco en directo que nos regalaron en 2000 Jimmy Page y Los Black Crowes bajo el nombre "Live At The Greek" . En dicho doble en directo, los Cuervos hacian un extenso recorrido por varias joyas de los Zeppelin con Mr. Page a la guitarra (todo un sueño para ellos, dado que era uno de sus idolos de infancia). La gira fue, sin embargo, más corta de lo esperado, debido a los estúpidos problemas burocráticos de siempre entre los managers y discográficas de los Crowes y Page, respectivamente. Aún así, el sabor de boca que dejaron fue estupendo, haciendo todo un sueño realidad.

El nuevo milenio comenzó con nuevo cambio de discográfica, esta vez V2, y la publicación del magnífico "Lions" en 2001, producido por el habitual de los Stones Don Was. Este album bien podría haber sido su "canto de cisne", dado el futuro devenir de la banda, pero no adelantemos acontecimientos. El LP sonaba brutal, tenían ganas de demostrar que seguían siendo la mejor banda de rock and roll en este siglo XXI, y casi lo consiguen. Junto a temas de una calidad incontestable, donde se dejan llevar de nuevo por la psicodelia, como "Midnight From The Inside Out", "Kickin'" , "Cosmic Friend" o el genial "Ozone Mama", abordan temas un tanto más flojos, que parecen no encajar con el resto del album, como "Losing My Mind" o "Lay It All On Me", donde se relajan demasiado en unas baladas que no estan a la altura de otros de sus clásicos. Recuerdan sin embargo a los Zeppelin post-blues en "Greasy Grass River" y demuestran lo grandes que siguen siendo en la maravillosa "Soul Singing". Un fantástico album, que no hacía presagiar lo que estaba por venir.

En 2002, publican un doble album en directo , "The Black Crowes Live", que a muchos nos supo a despedida (magnifico disco, eso sí), y no nos esquivocábamos.

A los pocos meses, anunciaron que se "tomaban un respiro, cesando en sus actividades como grupo". La separación, tanta veces presagiada, era ya una cruda realidad.

Durante esta aciaga etapa para los fans de los Cuervos, los hermanos Robinson se dedican a publicar varios discos en solitario, sin ninguna repercusión, ni musical ni mucho menos comercial. Es un tiempo de desinformación total. Nadie confirma ni desmiente la separación definitiva de la banda, y el pesimismo empieza a embargar a sus seguidores, que ven esto como la crónica de una muerte anunciada.

Ante este oscuro panorama, de repente, ocurre lo inesperado: tras tres años de silencio, The Black Crowes, lejos de anunciar la separación definitiva, anuncian a principios de 2005 su reunión y vuelta a las actividades como grupo, a fin de ofrecer una serie de shows en directo por todos los USA, recuperando a Marc Ford a la guitarra. Se vuelve al gusto por la vida en la carretera, a los viejos tiempos, y a hacer lo que mejor saben: ser los Black Crowes.

En 2006, publican el magnífico Doble CD/DVD " Freak 'n' Roll...Into The Fog", el cual recoge una actuación en San Francisco de esta nueva etapa, lo que eleva considerablemente el ánimo de sus fans, que los vuelven a ver en plena forma.

A finales de ese mismo año, vuelven a haber buenas noticias, con la publicación por primera vez en DVD del clásico video "Who Killed That Bird Out on Your Window Sill", recogiendo videos musicales y pequeñas entrevistas de los comienzos de la banda y, por otra parte, llega a las tiendas de discos el auténtico bombazo: "The Lost Crowes". Publicado como un doble CD, recoge las sesiones de los nunca aparecidos LPs "Tall" y "Band", pudiendo volver a disfrutar de material inédito de los Cuervos, y de versiones alternativas de grandes temas de la época de Amorica.

Con este clima esperanzador, a día de hoy, todo son rumores. Los Crowes siguen en una eterna gira y, si hemos de creer lo publicado en su página web oficial, se han encerrado en el estudio para grabar un nuevo album, que vería la luz en 2008.

Hasta aquí, por ahora, llega nuestra personal revisión de la historia de una de las bandas de rock'n'roll más grandes de las últimas dos décadas. Esperamos con ansia ese supuesto nuevo album para el año que viene, y que la historia siga creciendo durante muchos años más. Mientras tanto, disfrutemos de lo que hemos cosechado hasta ahora.....


"Shake Your Money Maker" (1990)




"The Southern Harmony And Musical Companion" (1992)






"Amorica" (1994)





"Three Snakes And One Charm" (1996)





"By Your Side" (1998)



"Lions" (2001)




"Jimmy Page/ The Black Crowes: Live At The Greek" (2000)



Disco 2:


"Freak And Roll...Into The Fog" (2006)

Disco 1:
http://www.badongo.com/file/2706761

Disco 2:
http://www.badongo.com/file/2706808

viernes, 20 de julio de 2007

jueves, 19 de julio de 2007

RAINBOW o el concepto de Blackmore sobre como montar tu propia banda

Estamos en la primavera de 1975 y todas esas extrañas ideas que debían estar atormentando la enfermiza cabeza de Ritchie Blackmore parecen tomar forma definitivamente y decide abandonar a Gillam, Lord y compañía a su suerte. A tenor de las pruebas (solo ver su cara de psicópata en cualquier foto de promoción de los primeros Deep Purple…) la idea debió de empezar a gestarse casi desde los inicios de la mítica banda británica, y precisamente por eso no se realizó de forma ni muchos menos precipitada.

Ritchie había quedado insatisfecho con el álbum “Stormbringer”, tanto que era la primera vez desde 1969 que no se incluía ninguna composición suya en un álbum de Deep Purple. Parte de la insatisfacción de Ritchie Blackmore fue debida a que el grupo rechazó grabar una de sus canciones favoritas “Black Sheep Of The Family”, originalmente grabada por el grupo Quatermass en 1970. De esta guisa encontramos a Blackmore escribiendo otra imperdible página para el “Manual del autentico Rockero-Psicópata” en el que ya escribiesen tan insignes personajes como… bueno, cualquier buen rockero de pro, qué ¿Qué no?¿Qué hacer mientras te das cuenta de que no te llena nada lo que estás haciendo con tu banda actual? Grabar un disco mientras que el resto de la banda descansaba antes de comenzar una gira. Solo queda entonces arreglar otro pequeño detalle… ¿De donde sacas una nueva banda? La distancia más corta entre dos puntos es la línea recta pensó sin duda Blackmore cuando innovó este revolucionario método: Tomo otra banda completa, me cambio por el que hace lo mismo que yo (en este caso el guitarrista) y le cambio en nombre al grupo… de esta forma entró en el estudio junto con los miembros de la banda americana Elf - Ronnie James Dio (voz) , Mickey Lee Soule (teclados), Craig Grubber (bajo) y Gary Driscoll (batería) - para grabar "Black Sheep Of The Family" por fin, así como "Sixteen Century Greensleeves" con la idea ya de la edición de un posible single. Blackmore quedó tan feliz con los resultados y rebosante de ideas que la banda finalizó en dos meses en los Musicland Studios de Alemanía la grabación de su disco debut “Ritchie Blackmore´s Rainbow”, en el que Ritchie pudo empezar a dar rienda suelta a sus verdaderas inquietudes e inclinaciones medievalistas. El catalizador para ello fue sin duda alguna el cantante de Elf, Ronnie James Dio. Blackmore y Dio instantáneamente entablaron una fuerte relación de trabajo, la propia de dos pirados con intereses comunes tanto en música medieval como en el Hard Rock. Tanto fue así que con la excepción de las dos versiones grabadas para el album - "Black Sheep Of The Family" ya citada y "Still I´m Sad" de The Yardbirds - Blackmore y Dio compartieron todos los títulos de crédito.

Este primer disco de estudio “improvisado” fue lo que se llevó Ritchie bajo el brazo cuando decidió abandonar a los del Púrpura Profundo a puertas de un nuevo Tour europeo… no sería la última vez, desde luego. El disco en sí ofrece un buen puñado de canciones de rock frescas y sinceras, sin más pretensión que hacer rock del güeno y que comercialmente ofreció como éxito relativo la canción "Man on the Silver Mountain".

Pero pese a esto buenos comienzos, incluso antes de que el álbum saliera a la venta, Blackmore desarmó el grupo y se quedó solamente con el cantante Ronnie James Dio. A esta base Dio-Blackmore, que había demostrado tener una química indudable a la hora de sentarse a componer, se agregó un nuevo integrante: el baterista Cozy Powell. La incorporación del otrora poderoso señor de los tarros de Jeff Beck resultaría vital para la obtención del sonido épico y demoledor que caracterizaría a la banda por los siguientes 5 años. Luego se integrarían el bajista Jimmy Bain y el tecladista Tony Carey.

Lo que puede considerarse como el primer éxito verdadero vino en 1976 con el álbum “Rainbow Rising”, producido por el incombustible Martin Birch; aunque no se editó ningún single se vendió durante bastante tiempo y es considerado por muchos como una de las mejores producciones de la historia del Heavy Metal. En este disco puede encontrarse "Stargazer", una de las canciones referenciales del género, y que marca el inicio de las letras de "calabozos y dragones", tan características de la carrera de Ronnie James Dio.

Al año siguiente, editaron en vivo "On Stage", que marca de manera brillante el fin de la formación clásica de Rainbow. Al igual que en el "Made in Japan", el aclamado en vivo que años antes grabó Ritchie junto a Deep Purple, el "On Stage" incluye versiones extendidas de los primeros clásicos de la banda, además de una versión del clásico de Deep Purple "Mistreated", enorme ejemplo del trabajo en directo de guitarra mostrando uno de los solos más melódicos y suaves que Ritchie haya podido realizar. En general todo el disco muestra la elegancia y virtuosismo del quinteto, marcando la pauta para un subgénero que se acuñaría como tal unos 15 años más tarde: el heavy metal progresivo. Hay cosas que empiezan desde su cima y desde ahí no hacen si no degenerar y este es un buen ejemplo.

Ya para las grabaciones del próximo disco la banda sufre dos remodelaciones sucesivas; en mayo de 1977 vuelven al estudio con el nuevo bajista Mark Clarke, pero en agosto de ese mismo año tanto Clarke como el teclista Tony Carey hacen mutis por el foro, siendo reemplazados respectivamente por Bob Daisley y David Stone para que finalmente y tras cerca de seis meses, en Diciembre de 1977, el album “Long Live Rock'n'Roll” viese por fin la luz. Dio y Blackmore empezaban a mostrar indicios de fátiga; mucho habían aguantado juntos…

Quizá con un giro más comercial, pero sin perder por ello su calidad, el LP “Long Live Rock and Roll” está conformado por un conjunto de canciones magistrales, donde quizás destacar “Kill the King”, que hacía tiempo formaba ya parte del set en vivo de la banda. Sin embargo en 1979, Dio decidió dejar la banda, para desconsuelo de miles de rockeros; estaba ya cercano a perderse en la ponzoña del heavy épico-mediaval más casposo. No está muy claro si se retiró porque Blackmore quería forzarlo a cantar "canciones románticas" (“Rainbow Eyes” es como para decir ¡basta! desde luego), o si fue porque ya tenía una oferta concreta para suceder a Ozzy Osbourne en Black Sabbath; lo cierto es que, a mediados de ese año, ya estaba trabajando con Tony Iommi en las canciones que integrarían el álbum "Heaven and Hell" (1980), de las últimas de sus aportaciones "cuerdas" a la historia del Rock.

Con partida de Dio y la incorporación de Roger Glover (ex-Deep Purple) como bajista y en tareas de producción la banda dio el giro definitivo a la comercialidad y con la sucesión de distintos cantantes y formaciones varias (Cozy Powell tampoco aguantaría demasiado tiempo más…) llegó a editar discos de indudable éxito comercial, pero que dado el caspismo reinante en el gusto de los inefables años 80 nos disuaden de extender este post más allá de lo que marca el buen gusto rockero. Solo reproducir una impresión de Roger acerca de su incorporación a Rainbow y que tal vez ilustre la particular metodología de Ritchie en su trato con otros músicos, que lo ha llevado a alternar distintas formaciones (resurrecciones de los Purple y Rainbow incluidas) hasta volcarse actualmente en un proyecto anacrónico de música medieval (¿o más bien demencial?) junto con su actual esposa, la cantante Candice Night con quien formó Blackmore's Night y cuyo engendro alcanza ya las cotas de los cuatro discos de estudio.

"En el 73 Ritchie me expulso de Deep Purple alegando motivos profesionales. Algún tiempo después, me convocó para formar parte de Rainbow. Él es una persona difícil, y nuestra relación ha estado siempre marcada por altos y bajos" (Roger Glover).

A continuación todo lo que puede rescatarse de la aportación del tandem Blackmore-Dio a la épica del verdadero Valhalla del Rock. Ahy!














































































Long Live Rock 'n' Roll

jueves, 12 de julio de 2007

Pistolas de terciopelo o como volver al camino justo y recto



Todo lo que suene endiabladamente bien debe continuar. Así lo entendieron como buenos dioses del Metal Slash, Duff (McKagan) y Matt (Sorum) cuando se reunieron para tocar en un concierto benéfico para el baterista Randy Castillo en 2002. Ninguno de ellos se había alejado nunca demasiado del buen camino (bueno, ejem… ¿podremos perdonar algún día a Slash haber hecho las guitarras en un disco de Marta Sánchez? Todos sabemos que las hipotecas en L.A. están por las nubes, y que comer hay que procurar comer todos los días, pero macho…). En cualquier caso fue en ese momento cuando comprendieron que su destino era volver al Valhalla a lomos de una nueva banda de Rock.


Cuando intentaron repescar a Izzy (Stradlin) éste se negó; posiblemente su estrecha amistad con Axl (los dos eran amigos de la infancia en Lafayette (Indiana) antes de volver a coincidir en L.A.y formar Gn’R) y diversos escarceos y colaboraciones con el nuevo proyecto bastardo de Gn’R que los Dioses del Metal no dejan de terminar de perpetrar a Axl debieron de nublarle la razón, una verdadera lástima, ya que en el fondo de ese alma confundida y atormewntada late el corazón de un verdadero rockero como ya demostrase en sus composiciones en Gn’R. ¿Pero detuvo eso a unos autenticos y convencidos degenerados del rock como el trio que nos ocupa? Evidentemente no e hicieron lo que dice el manual del buen rockero cuando se está montando una banda: buscarse otro pavo. En este sentido reclutaron al guitarristaDave Kushner, quien era conocido de Slash (habían estudiado juntos, aunque sospechamos que lo que a lo que en realidad se dedicaban era a gastarse el dinero de la matrícula y los libros en discos y birra…) y de Duff con el que había tocado en la banda Loaded y venía de tocar recientemente en Wasted Youth junto a Dave Navarro (otro ángel caído y tristemente desaparecido del panorama actual). De cualquier forma se constituyeron como cuarteto y se llamaron con increíble derroche de imaginación "The Project" mientras encontraban un nombre mejor.


El grupo hizo audiciones para buscar vocalista, entre los que participaron elementos del caché de Sebastian Bach de "Skid Row" o Travis Meeks de "Days of the New" pero ninguno les convenció. Scott Weiland escuchó el material de la banda y se ofreció como vocalista, pero la banda no quería generar controversia con grupo en aquel entonces, Stone Temple Pilots. Tampoco tuvieron que dejar pasar mucho tiempo hasta que las cosas cayesen por su propio peso y los Stone se separasen finalmente y fue entonces cuando Weiland se volvió a ofrecer y fue aceptado. Slash sugirió el nombre "Revolver" para la banda, y Weiland "Black Velvet", juntaron ambos pero decidieron que "Black Velvet Revolver" sonaba demasiado parecido a "Stone Temple Pilots" aunque fuese solo por tener tres palabras y le pareció mucho más adecuado que la gente pensase que "Velvet Revolver" era un juego de palabras con el nombre de "Guns N' Roses"; "Revolver" es como "Guns" (armas) y "Velvet" (terciopelo) es un material suave como la rosa ("Rose").
Su primer show en vivo fue en Los Angeles en junio de 2003 y a finales de ese mismo año trabajaban ya en su primer álbum “Contraband”que vió la luz en junio de 2004, antes de lo cual ya había gravado su primer tema "Set me Free" para la banda sonora de la película Hulk y hecha una versión del "Money" del fluido rosa para la película The Italian Job.
El objeto de este post es precisamente haceros llegar este “Appetite for Reconstrution” donde disfrutar de sus primeras maquetas y versiones, incluida "Come On, Come In" compuesta para la película de los cuatro fantásticos. Si es que además les gusta los comics a los chavales, jejeje…

Solo recordaros que lejos de haberse disuelto como auguraban muchos su nuevo álbum titulado "Libertad" debe estar al caer si no lo ha hecho ya puesto que la fecha de lanzamiento estaba prevista para el pasado 3 de julio. De hecho es probable que su primer single "She Builds Quick Machines" esté sonando por las radios de medio mundo mientras que aquí media España sigue escuchando la cinta de 90 de Kiss FM una y otra vez sin descanso.


Disfrutar de estos güenos chavales y no os descuidéis de la senda del rock
Ahy!

http://rapidshare.com/files/31138231/VELVET_REVOLVER__Appetite_For_Reconstruction__US-2005_.rar

miércoles, 11 de julio de 2007

SENTADO EN UN BANCO DEL PARQUE, MIRANDO A LAS NIÑAS PEQUEÑAS CON MALAS INTENCIONES.....


Así reza la primera estrofa del tema que da título al album con el que vamos a combatir a las hordas poperas en el día de hoy: "Aqualung".

Publicado en 1971 por unos Jethro Tull en plena forma y efervescencia creativa, siendo comandados por el irreverente Ian Anderson, como mentor, compositor, voz, guitarra acústica y flauta....en resumidas cuentas: decir Jethro Tull es decir Ian Anderson.

El album es un auténtico mano a mano musical entre Anderson y su fiel Martin Barre a la guitarra eléctrica, único miembro de la banda que ha acompañado a Anderson desde los inicios, tras el abandono (¿expulsión?) de Mick Abrahams hasta la actualidad, dentro de una formación que se ha caracterizado por la itinerancia de sus componentes.

Jethro Tull, en los días de publicación de Aqualung, estaba formado por:

Ian Anderson-voz, flauta travesera, guitarra acústica
Martin Barre-guitarra, flauta travesera, flauta dulce
Jeffrey Hammond-bajo, flauta dulce, voz
Clive Bunker-batería, percusión
John Evan-teclados, piano



El resultado plasmado en el album fue brutal: ni siquiera en una sociedad en constante evolución como la de los primeros setenta, estaban preparados para lo que Anderson iba a vomitar en él, sin miramientos a la hora de hablar sobre la religión, los convencionalismos sociales, la hipocresía, la rutina diaria, la prostitución y hasta sobre el mismísimo concepto de Dios que nos imponen desde pequeños en el colegio......Y todo ello expresándose con una sinceridad y crudeza que no dejó a nadie indiferente, llegando a ser prohibido (como no), en las España cutre salchichera de Franco durante varios años, argumentando su carácter irreverente, irrespetuoso y prácticamente demoníaco.

Si bien es verdad que el bueno de Anderson empieza fuerte desde el principio: ya en la cubierta del album, reza la frase "En el comienzo, el hombre creó a Dios, y le dio poder sobre todas las cosas", con la cual, la verdad es que no pretende tampoco tratar el tema con delicadeza, todo sea dicho.....Avanzando por el album, "Aqualung" es el protagonista de la canción del mismo nombre, un mendigo depravado, alcohólico, que vive a la intemperie en el parque y, por si fuera poco, pedófilo, que se dedica a mirar constantemente a las "niñas pequeñas"...Toda una joya de personaje a quien dedicarle una canción....Pero este mendigo va más allá, según lo que nos transmite Anderson...es una víctima abandonada por la sociedad (concepto ya un poco manido hoy en dia, pero una crítica bastante innovadora en aquellos años), sin capacidad para reintegrarse ni ayudas por parte de nadie...

En "Crossed Eyed Mary", canta las excelencias de una prostituta menor de edad, "María La Bizca", nada convencional tema para una canción solo pocos años después del "Love Me Do" de The Beatles....jeje

"Cheap Day Return" y "Wond'ring Aloud" son deliciosas piezas acústicas, marca de la casa, que versan sobre la rutina de la vida diaria...

La artillería del album llega verdaderamente con "My God", en donde, aparte de ser una soberbia pieza musical (impresionantes solos de flauta y coros evocadores del folklore eslavo a mitad de la pieza), Anderson se desmelena y hace un ataque frontal con bayoneta calada al mismisimo corazón de la Iglesia Anglicana (aunque se podría hacer extensivo a todas las iglesias cristianas). Sin tapujos, insinua que Jesus/Dios no son más que un mero invento de la Iglesia, según la imagen que nos venden de Él.

Similar camino sigue la estupenda "Hymn 43" (Salmo 43). Con una contundente base rítmica, Anderson nos habla del ansia del hombre moderno por conseguir gloria, poder y dinero, y del uso que hace de la religión para conseguir esos fines. Solo hay que leer la cruel letra del tema para entenderlo:
"Oh, Padre, que estás en los cielos, sonríe a tu hijo, que está ocupado con sus juegos de dinero, sus mujeres y sus armas. ¡Oh, Jesús, sálvame! Y el olvidado héroe del Oeste,mató un indio o tres, y se consagró en Hollywood, para liberar al hombre blanco. ¡Oh, Jesús, sálvame!
Si Jesús salva, bueno, mejor debería salvarse a Sí mismo de los sangrientos buscadores de gloria que usan Su nombre en la muerte. ¡Oh, Jesús, sálvame! Lo vi en la ciudad y en las montañas de la luna. Su cruz estaba bastante ensangrentada.Difícilmente podía hacer rodar Su piedra.¡Oh, Jesús, sálvame!"


En medio de esta temática religiosa, intercalan el brutal "Locomotive Breath", con una delicada intro al piano de John Evan, que desemboca en una auténtica orgia eléctrica en el resto del tema. El argumento es bastante menos escabroso que el del resto del album: el típico perdedor que va en una cuesta abajo sin frenos (montado en un tren desbocado, de ahi el título), y al que, por si no tuviera bastante, su mujer le pone los cuernos con su mejor amigo. Es un tema bastante menos original, pero que, musicalmente, se ha erigido en uno de los clásicos de los Jethro de todos los tiempos.

Por último, pero no por ello menos importante, la auténtica puntilla a las instituciones religiosas y educativas de la sociedad reaccionaria: "Wind Up". En ella, Anderson termina por gritar que todo lo que le enseñaron en la escuela estaba equivocado... Para muestra, un botón, como reza en las siguientes estrofas:

"Cuando era joven y me mandaron a la escuela, me enseñaron cómo no se jugaba el juego; no me importó si me preparaban para el éxito, o si decían que sólo era tonto.
Así que me fui por la mañana, con su Dios metido bajo el brazo, sus medias sonrisas de mierda y sus reglamentos.
Y le hice a este Dios una pregunta y, a modo de firme contestación,Él dijo: "No soy del tipo a los que se les tiene que hacer la pelota los domingos".
Así que, a mi viejo director (y a cualquiera le importe): antes de irme me gustaría decir mis oraciones. No os creo: Lo tenéis todo jodidamente equivocado. Él no es del tipo a los que se les tiene que hacer la pelota los domingos. Bueno, pueden excomulgarme en mi camino a la escuela dominical y poner a todos los obispos a cantar estas estrofas....".

En fín, para qué decir más. En este tema atenta contra todo. Las costumbres, profesores de religión, arzobispos, e incluso invita a quien quiera a excomulgarle. Una auténtica perla para terminar el album.

Por último, hacer referencia a los "9 mandamientos" que Anderson incluye en la carpeta del album....una especie de perversión irónica de los Mandamientos cristianos. Dicen así:

1 En el principio El Hombre creó a Dios; y a la imagen del hombre, Él lo creó.
2 Y El Hombre dio a Dios una multitud de nombres, que podría ser el Señor de toda la tierra cuando le conviniera al Hombre.
3 Y al septamillonésimo día El Hombre descansó y se apoyó pesadamente en su Dios y vio que era bueno.
4 Y El Hombre formó a Aqualung del polvo de la tierra y a una hueste de otros que se le parecían.
5 Y estos hombres inferiores fueron enviados al vacío; Y algunos fueron quemados, y otros fueron apartados de sus semejantes.
6 Y el Hombre se convirtió en el Dios que había creado y con sus milagros gobernó sobre toda la tierra.
7 Pero mientras todas estas cosas sucedían, el Espíritu que hizo que El Hombre creara a su Dios vivía en todos los hombres: incluso dentro de Aqualung.
8 Y El Hombre no lo vio.
9 Pero por el amor de Dios, más le valdría empezar a ver.

En resumidas cuentas. No sería lógico empezar a discutir si Aqualung es o no el mejor album de Jethro Tull. Según mi humilde opinión, sin embargo, es uno de los mejores, y sin lugar a dudas, se trata de una pieza angular de la historia del rock.

Bueno, chavales....dejo ya de enrrollarme, y os informo de que unos duendes poperos disidentes han dejado un regalito por ahi abajo en forma de enlace...a disfrutarlo!!!!


http://www.megaupload.com/es/?d=M2AM4OM6

THE ULTIMATE EXPERIENCE: El Dios de ébano del Metal


Entregados a nuestra labor evangelizadora entre las ingentes masas poperas y parafraseando al mítico Ted Nugget (“Yo no escucho nada anterior a Jimi Hendrix; si quieres ponerle ruedas cuadradas a tu coche allá tú”), no podemos dejar de proponer esta mítica compilación totalmente indicada para profanos en los arcanos del panteón del metal, así como aquellos que quieran tener una recopilación eficaz y representativa de su incomparable obra.

Como buen rockero fue un artista autodidacta y jamás estudió música. Comenzó a actuar en público en 1962 con el grupo King Casuals, lo cual le abrió las puertas a ser contratado por Little Richards hasta 1965. A partir de ese año, formó su propia banda llamada Jimmy James and the Blue Flames, con la que se sucederían los éxitos, el trabajo sin descanso explotado por sus representantes musicales (¡sanguijuelas!) y los primeros excesos de su largo romance con las drogas.

Chas Chandler, el bajista del grupo "The Animals", se convirtió finalmente en su representante y le convenció en 1966 para ir a Londres, donde se estaban gestando entonces los albores del sagrado rock, y el Dios acudió a su cita con la historia. Juntos crearon el inconmensurable The Jimi Hendrix Experience, con Mitch Mitchell a la batería y Noel Redding al bajo.

A partir de ahí y la publicación del histórico “Are You Experienced?” (1967) Hendrix se reveló como el crack que era convirtiéndose en referencia obligada entre los artistas de rock más importantes de su época, gracias a su innovadora técnica y al sagrado uso del feedback. Sus siguientes discos "Axis:Bold as Love" (1967) y el definitivo "Electric Ladyland" (1968) junto con las épicas actuaciones que se sucedieron en los conocidísimos festivales de la época (antológica quema de guitarra incluida durante el "Wild Thing" que cerraba su actuación en el Festival de Monterrey de 1967, también actuó en 1969 en el de Newport y en Woodstock) lo postularon además como uno de los máximos iconos hippies y de la psicodelia.

En 1969 se disolvió la Experience (al parecer Noel no terminaba de encajar quién era la estrella, Clyde...) y montó un nuevo grupo llamado "Band of Gypsys" ("Banda de Gitanos") con Buddy Miles en la batería y Billy Cox al bajo, que sacaron un homónimo disco en directo en 1970.

La desgracia se gestó ese mismo año cuando estaba grabando su cuarto álbum de estudio, "First Rays of the New Rising Sun" (editado de forma postuma no hace mucho entre el vendaval de recopilaciones y reediciones que siguieron a su trágica perdida) en Londres. La madrugada del 10 de septiembre Jimi se cogió su último ciego y tuvo una muerte absolutamente rockera a la par que absurda, al parecer por aspiración de vómito. A partir de ahí la mitificación y adoración estaban servidas.

The Ultimate Experience es la recopilación perpetrada en 1993 con las 20 canciones más representativas fundamentalmente de la epóca de la Experience, incluyendo las reediciones en vivo de "The Star Spangled Banner" y "Wild Thing” e incluyendo grabaciones entre octubre del 1966 y julio del 1970.

¡Larga vida al Dios de ébano del metal! ¡Ahí lo lleváis!
AHY!